La vida en un poema escrito en una servilleta. La vida en un Fa sostenido. La vida en una canción reproducida por un iPod. La vida en una nota.

Life on a love poem written on a napkin. Life on a F-sharp. Life on a tune played by an iPod. Life on a note.

lunes, septiembre 27, 2010

New York, and its Philharmonic


The MTA, the New York Knicks and the New York Philharmonic were among the few things New Yorkers weren't proud of a year ago. The subway was (and still is) one of the most inefficient and disorganized of America, the Knicks hadn't made it to the playoffs in quite a while and the Philharmonic didn't possess the prestige it once had.

This last complaint wasn't a simple one -it implied legacy issues. Founded in 1842, the New York Philharmonic is the first orchestra of the United States. Its Music Directors have been legends in the likes of Gustav Mahler, Arturo Toscanini, Igor Stravinsky, Leonard Bernstein and Pierre Boulez. This ensemble premiered in America several of the most important pieces written by European composers -Brahms' 4th Symphony, Beethoven's 9th Symphony, and Dvorak’s From the New World Symphony. The most prominent conductors and soloists of the last couple of centuries have played for it in quality of guests. Likewise, the New York Philharmonic holds the world record of concerts made by an orchestra: more than 15,000 performances.

So what were New Yorkers complaining about then? The answer surrounded the name of Alan Gilbert, the New York Philharmonic's current Music Director. However, nothing he had to do with the descent of the orchestra's prestige. In fact, Gilbert recently concluded his first season praised by the critics and, what could be even more significant, beloved by the Philharmonic's audience. Frustration then consisted more of Gilbert's selection as the new Music Director of New York's main orchestra.

The search for Lorin Maazel's replacement -the latter Philharmonic's Music Director- involved huge expectations, controversy and discontent. Maazel was the last link of a chain of prominent musicians that conducted the New York Philharmonic over the second half of the 20th century -George Szell, Pierre Boulez, Zubin Mehta and Kurt Masur-: a period preceded by the extraordinary tenure of Leonard Bernstein.

When Maazel's contract with the Philharmonic was coming to an end, its Board of Directors decided to hire a new conductor that would guarantee some sort of continuity to that magnificent series of conductors. The name of one of the most well known -and controversial- conductors of the beginning of the 21st century stood out the most to fill the vacancy: Riccardo Muti.

Muti, 67, embodied the perfect choice to take the baton of the New York Philharmonic. With an impressive resumé, the Italian conductor became the most sought after musician by the New York media and audience to take the lead of its orchestra. Muti had already conducted the Philharmonic on several occasions as a guest conductor and said concerts were highly anticipated by concertgoers and critics. (The New York Philharmonic musicians had also expressed their joy of playing for Muti, which is a vital factor when it comes to choose the main leader of any orchestra.)

Even when the Board denied the rumor of having made an offer to Muti, some blogs had already informed, extra-officially, that some sort of proposal had in fact been made to him. Those rumors would be confirmed later when Muti rejected the offer. This would not only provoke discontent among certain circles, it would also mean the beginning of an outrageous controversy. Soon after Muti discarded the New York Philharmonic's position, alluding that he was not interested in conducting any American orchestra, he would sign a contract to become the new Chicago Symphony's Music Director in 2010.

New York City's pride couldn't be more affected. There has been a historic rivalry between Chicago and New York, and that competition has also reached the main orchestras of both cities. At the end of 19th century, Theodore Thomas, who was the New York Philharmonic's conductor in 1891, abandoned it to create the Chicago Symphony, an ensemble currently considered one of the best orchestras in the world, due to the high quality of its performances and its recordings -a couple of endeavors developed during the excellent commands of Maestros Georg Solti and Daniel Barenboim.

After a few weeks, the controversy gradually diminished and the Board chose Alan Gilbert as the New York Philharmonic's Music Director. The announcement caused disappointment among certain classical music circles. Not only because of the recently signed's lack of recognition, but because of the unforeseeable turn the Board had taken. On one hand, by choosing Muti they would have looked for some sort of continuity -perhaps not literal but very close indeed- to the conservative line drawn by Masur, Mehta and Maazel. On the other hand by choosing Gilbert, the move would represent some sort of a rare strategy.

This initiative, though, joins the recent trend followed by some American orchestras of singing young conductors in an apparent attempt to refresh that aged trait classical music has always been associated with. From this series of hiring, Venezuelan Gustavo Dudamel's (29) as the new Los Angeles Philharmonic Music Director might have been the most noteworthy. (His naming was highly publicized, and his welcome ceremony was headlined by a remarkable group of celebrities and covered by international media). The most recent signings include the French Ludovic Morlot (36) as Seattle Symphony's Music Director, and the Canadian Yannick Nézet-Seguin (35) to conduct the Philadelphia Orchestra.

Alan Gilbert may not be a name that resonates as strong as Muti's, but one cannot underestimate his achievements. He was named Royal Stockholm Philharmonic Orchestra's Music Director when he was only 29 years old. Throughout his nine years' term, the assistance to his concerts increased and he also obtained more funding from the Sweden Government. He also recorded with this orchestra a praised version of Mahler's Ninth Symphony. In parallel, he was the Music Director for the Santa Fe Opera, where he enhanced his opera conducting skills. On September 16th, 2009 at the age of 42, Alan Gilbert would become the first New Yorker ever to conduct the New York Philharmonic -an orchestra he had already conducted on several occasions since 2001. (He also conducts his mother, who plays the violin for the orchestra.)

Alan Gilbert's first season achieved several triumphs. The program managed to be balanced by delivering a catalog that included famous pieces along with others lesser known. Similarly, Gilbert conducted a good number of pieces written by novel composers -a sensitive issue among the critics, who naturally applauded the decision. The performance of Ligeti's opera Le grand macabre was perhaps the Gilbert's accomplishment most remarked by the media. (The New York Times called it "a landmark in New York Philharmonic's history".) The season's end consisted of the performance of Beethoven's Misa Solemnis, an epic and rarely played piece, even when the German composer himself considered "as the most beautiful of my entire repertoire".

The New York Philharmonic is an ensemble that perhaps required of a leader with an already obtained legacy like Riccardo Muti, but Gilbert has known to earn his own merit with talent, determination and audacity. Gilbert may not possess the features of other American orchestras' conductors: James Levine's profficiency (Boston Symphony Orchestra), Franz Welser-Möst's operatic versatility (Cleveland Orchestra), Michael Tilson Thomas' mediatic charisma (San Francisco Symphony), Gustavo Dudamel's popularity (Los Angeles Philharmonic).

Nevertheless, it is unlikely that none of those conductors have had to face such a harsh beginning as Gilbert's. New York is certainly a relentless town. And when it comes to its cultural icons they don't hesitate to show their most ruthless side. Alan Gilbert has proved to be prepared and intelligent enough to assume this difficult task and, in just a season, has begun to bring back to his hometown the pride of having one of the most important orchestras around the world.

jueves, septiembre 23, 2010

Arcade Fire: delivering another explanation on why they stand apart


According to scientists, the human brain, when perceiving any type of art, cherishes the amount of work invested on its pieces -which is what would probably explain why we don't like way-too-simple paintings. Music is no stranger to that statement. When I analyze certain music pieces that I love, I recognize enormous amount of work put into it indeed. That been said, I love The suburbs (2010) -Arcade Fire's most recent delivery. This band has appealed listeners around the world with their complex and genuinely touching indie rock. Their tunes are sophisticated, yet heartfelt. The intensity contained in their music could rely on the structure of their songs: they begin by displaying certain type of naïveté, and they end in absolute ecstasy, offering a delightful magic in between. If you listen to The suburbs, you'll definitely find hard work and, above all, passion serving as the authentic foundation of it all.

This is the video for Ready to start

domingo, septiembre 19, 2010

Caracas, mi Caracas



Caracas,
mi Caracas,

Cada vez que veo este video
te pienso
te quiero
te echo de menos

Cada vez que veo este video
quisiera bailar
quisiera bailarte
quisiera bailar contigo

Cada vez que veo este video
quisiera tocarte
quisiera saltarte
quisiera caminarte

Cada vez que veo este video
quisiera escucharte

Oh, Caracas
Oh, mi Caracas
cuánto te extraño
cuánto me haces falta

Y quiero que sepas que te sigo amando
Y quiero que sepas que te sigo amando

¿sabes?

Lo que pasa es que
cuando veo este video
me gustaría amarte allá, mi Caracas


Me gustaría amarte


en Caracas





(la canción se llama "Algo"
es de Los Paranoias
y el genial video está dirigido por Luber Mujica)

viernes, septiembre 10, 2010

Manías (II)


Liliana no puede abrir latas de refresco. Tenía siete años cuando abrió la última. Lo hizo con tanta fuerza que uno de sus dedos resbaló y terminó cortado por el filo de la boquilla. Sangró bastante, lloró mucho. Desde entonces le pide a otra persona que le abra la lata por ella. Tampoco puede verlos mientras lo hacen. Teme lo peor.

Ernesto es tan fanático de David Bowie que únicamente escucha sus canciones cuando está solo. Teme que pueda pasar algo mientras uno de sus temas suena en compañía de otra persona, y entonces ese algo termine teniendo un efecto negativo sobre dicha pieza para siempre. La decisión la tomó luego de haber reproducido un disco de Sting mientras le hacía el amor a la mujer que más ha amado en toda su vida -la misma que lo dejó para casarse con su mejor amigo. Cuando está en la calle y comienza a reconocer las notas de cualquier canción de The Police, se tapa los oídos y entona fuertemente "la-la-la-la-la-la-la-la..."

Estefanía se siente profundamente culpable si usa más de una servilleta cuando está comiendo. Es vegetariana, organizó un sistema de reciclaje de basura en su casa y colabora para una feria que promueve la adopción de gatitos callejeros. Los lugares donde venden pollos en brasa no sólo le resultan siniestros por la imagen de pollos asándose mientras dan vueltas, sino también por la gran cantidad de gente que se los come con las manos. Usan demasiadas servilletas.

Marcos sólo lee libros de escritores que le caen bien. Si no los conoce, le echa un vistazo a la contraportada del libro para leer su biografía y ver su foto. Si le causa mucha curiosidad el libro, pero aún no tiene una muy buena idea del autor, googlea su nombre para saber más de su vida y aprovecha también para buscar fotografías. Esta estrategia lo ha llevado a leer varios de sus libros favoritos. Un mundo para Julius, por ejemplo, lo leyó después de ver la foto de Bryce Echenique que aparecía en la edición que tomó en sus manos. Compró Un dulce olor a muerte, de Guillermo Arriaga, tras sólo haber leído que el tipo era abstemio -como él. Marcos jamás leerá a Gunther Grass, Mario Vargas Llosa y a Paul Auster.

Amanda sólo va al cine para ver películas infantiles. En lo que entra a la sala, procura sentarse donde hayan bastantes chamos. Sus intermitentes dietas no aplican para esa ocasión. Se compra un paquete grande de cotufas, un Cocosette de los grandes, un paquete de gomitas y un refresco de los que engordan. No va al cine por la pantalla grande, el sonido impresionante o las deliciosas golosinas. Va para escuchar a los chamos sonreír.

Alfredo detesta tener las manos llenas de grasa. Se las lava con agua y jabón después que come -incluso cuando la comida no esté tan grasosa. Luego de lavárselas se las seca hasta más no poder. Por eso siempre tiene servilletas en uno de los bolsillos traseros de su pantalón, en una de las gavetas de su escritorio y en la guantera de su carro. Alfredo extraña las lumpias, las papitas de McDonald's y las alitas de pollo frito.

A Sofía le encanta buscarle conversación a la gente se sienta al lado de ella en un viaje en avión o en autobús. Le gusta inventarse una vida ficticia pues sabe que más nunca volverá a encontrarse a esas personas. Lo primero que hace es averiguar sobre su compañero de viaje, para luego inventarse un personaje con posiciones opuestas. Vegetariana, derechista y célibe suelen ser los adjetivos que más emplea. No hay otra cosa que la haga más feliz que ver la cara que ponen ellos cuando se enteran que la persona que acaba de sentarse, y con la que compartirán todo el viaje, no comulga con ninguna de sus posiciones. Y por más que ellos intenten por finalizar abruptamente tan incómoda conversación, ella se afanará en encontrar alguna manera de reiniciarla.

A David le gusta usar corbatas, pero no porque tenga que hacerlo. Es fotógrafo, diseñador grafico y bloguero. David es artista. Pasa horas en las tiendas de ropa para encontrar la corbata perfecta. Evalúa su longitud, su grosor y, sobre todo, su color. A veces busca la asesoría de la gente que trabaja en la tienda donde las escoge. Sin embargo, sólo acepta la ayuda de señores mayores porque, según él, son los que tienen mejor gusto. Lo que más disfruta de vestir corbatas es acomodarse el nudo mientras se ve en el espejo. Lo hace sentirse importante.

A Carmela le da curiosidad saber qué hacen sus compañeros de trabajo luego de que salen de la oficina. Pero nunca les pregunta, prefiere imaginarlo. Ella cree que Carlos, el de Recursos Humanos, se va directo al gimnasio para seguir trabajando en su eterno narcisismo. A Ivana, su jefa, la imagina ignorada por sus hijas, odiada por sus vecinos y maltratada por su marido. Sólo eso puede explicar por qué es tan hija de puta. A Ismael, con quien comparte su cubículo, lo imagina cocinando exquisitos platos en su apartamento de soltero mientras escucha a todo volumen canciones de The Cure y Depeche Mode. Y lo imagina también reprochándose más tarde, cerca de acostarse, por no haber reunido el coraje todavía como para invitarla a salir.

Acá puedes leer la primera entrega de esta serie

martes, septiembre 07, 2010

Spoon: this is the groove of indie


Indie rock has never been considered a rhythm oriented genre. The good thing about indie rock, though, is that it's certainly a more-than-one trick pony. If you listen to Transference (2010), the seventh release from indie rock's established act Spoon, you'll have a good sense of how rhythm induces even more richness to an already remarkable collection of songs. Rather than just tunes, Spoon has written hypnotic grooves. And they're so good that they're almost trance-inducing, believe me. The fact that this is the first album self-produced by the band says a lot about how much their sound have been enhanced. You can also recognize certain artistic freedom translated in some experimentation on the songs' structure, the recording techniques they have employed and their weird yet awesome arrangements. Transference is a also a "smart" record. It has soul but it has also certain intellectuality that seduces the listener. Indie rock has never sounded so irresistible.

This is the video for Written in reverse


jueves, septiembre 02, 2010

Sobre el gran momento del indie rock (y su peligroso acercamiento al mainstream)


El término indie es una reducción de la palabra independent en inglés, y desde su concepción se utilizó para denominar a los artistas que no contaban (o prescindían) del apoyo financiero de grandes consorcios (disqueras, patrocinantes, institutos, museos) para hacer su arte.

El indie no sólo es una categoría, pues también ha sido considerada una especie de filosofía: si no cuento con financiamiento para hacer mi arte, pues lo hago yo mismo. No en vano, su manifiesto está concentrado en las siglas D.I.Y.: do it yourself.

Si bien la palabra indie hacía referencia a la ausencia de la ayuda de un gran patrocinante para hacer arte, su uso se extendería desde la mitad de los años 50 -que es cuando se consolidan las grandes disqueras- hasta la actualidad, para definir un subgénero del rock: el indie rock, una música cuyo encanto estaba dado precisamente por las consecuencias de no contar con el apoyo de las grandes disqueras: un sonido crudo, poco refinado (por no poder grabar en grandes estudios), el uso de instrumentos no convencionales para el rock -violines, clarinetes, marimbas- y una estructura no convencional en las canciones -temas instrumentales, sin coros o sin estrofas- que posiblemente estaban motivados por esa misma rebeldía ante lo comercial, por esa irreverencia ante el mainstream.

Sin embargo, el 2010 pareciera ser el año en el que el indie y el mainstream han estado más cerca que nunca: Vampire Weekend conquistó el primer lugar del Billboard a principios de año, varios artistas indie fueron incluidos en las bandas sonoras de la saga Twilight, varios célebres artistas han invitado a cantantes indie para la grabación de sus más recientes placas (Bon Iver en el de Kanye West; las vocalistas de Dirty Projectors, Jim James de My Morning Jacket y Joanna Newsom en el de The Roots), varios conciertos de actos indie han tenido lugar en recintos prestigiosos anteriormente inéditos para este tipo de shows (Vampire Weekend, Spoon y The National en el Radio City Music Hall y, más recientemente Arcade Fire y Phoenix en el Madison Square Garden.)

Hace pocas semanas una de las bandas más emblemáticas del indie rock ocuparía el primer lugar de las listas del Billboard. Y lo haría con mucho más notoriedad y bajo circunstancias más demandantes que las que tuvo que enfrentar Vampire Weekend en Enero de este año.

The Suburbs (2010), el tercer disco del septeto canadiense Arcade Fire, se apoderaría del tope de las ventas destronando nada más y nada menos que al artista pop que más ha vendido discos en los Estados Unidos durante la primera década del siglo XXI: Eminem. Recovery (2010), su última entrega, estuvo por varias semanas en la cima del Billboard y no pudo ser derribado ni siquiera por Teflon Don (2010), la última producción del notable rapero Rick Ross -una que parecía cumplir con todos los requisitos para ocupar el tope de las carteleras.

El éxito de Arcade Fire ha sido exhaustivamente analizado por varios medios y blogs de música neoyorquinos. Una de las más sorprendentes revelaciones destaca que la hazaña en cuestión fue llevada justamente a cabo como lo harían las grandes disqueras con un artista pop: mercadeo incesante en Twitter, Facebook y MySpace, y la venta del disco en oferta (tan sólo $3,99 en amazon).

Con un primer puesto en las listas de venta, un par de shows agotados en el Madison Square Garden y una abrumadora presencia en los medios, ¿pudiera seguirse considerando a Arcade Fire como una banda indie?

La pregunta no deja de ser pertinente, considerando el momento tan particular que atraviesa la industria musical. Y dicha interrogante tendría que hacerse considerando las perspectivas que ofrecen cada una de las posiciones que han manifestado blogueros, críticos, músicos, fanáticos de Arcade Fire, detractores de Arcade Fire y los que antes eran fanáticos y que ahora son sus más fervientes detractores.

Unos argumentan que Arcade Fire ya no pudiera seguirse considerando una banda indie, pues aún perteneciendo a Merge Records, una de las disqueras más representativas del indie rock, ha hecho uso de las herramientas que las grandes disqueras utilizaron por mucho tiempo para vender -cosa que han logrado. Muchos de los que fueron sus más entusiastas seguidores han llegado a afirmar, con una altisonante decepción, que en efecto Arcade Fire "se ha vendido".

Otros aseguran que el buen momento que vive el indie rock ha sido coronado por el exitoso lanzamiento de The Suburbs, y que el disco no es más que el epítome de la excelente música que han estado editando actos de este género durante los últimos cinco años.

La polémica de que si una banda se ha vendido o no siempre ha dado mucha tela que cortar. "Venderse" pudiera ser definido como el acto de comprometer tu integridad artística para acomodarla a las necesidades del mercado, es decir, condicionar tu arte para vender. Ahora bien, ¿qué pasa cuando logras tener cierto éxito comercial manteniéndote fiel a tu discurso artístico? ¿qué pasa cuando un excelente álbum que escapa a cualquier definición de "comercial", como The Suburbs, consigue una respuesta que logra por derrotar al lucrativo negocio del hip-hop norteamericano?

En mi opinión, lo que habría que preguntarse en medio de toda esta polémica que ha originado el triunfo comercial de Arcade Fire, no es si siguen siendo una banda indie o si se han "vendido", sino ¿qué pasará después de conseguir tal logro? Y la interrogante surge más como una preocupación, pues muchos han sido los grupos que, viniendo de las trincheras del underground lograron montarse en el podio del mainstream sacrificando la integridad y calidad de su música.

¿Intentará Arcade Fire, a la hora de trabajar en su próximo disco, acomodarse a esa nueva audiencia que han ganado? ¿Tratarán de responder a intereses comerciales de aquí en adelante? ¿Cómo reaccionarán Arcade Fire y los demás grupos indie luego de haber sido picados por el bicho del éxito?

Vale la pena aclarar que yo no tengo nada en contra de que a una banda le vaya bien económicamente. A mí lo que más me interesa saber es qué pasará después. A mí lo que más me preocupa es el efecto que este logro pueda tener sobre la calidad de la música que editarán.

Mientras tanto, sigamos disfrutando la maravillosa música que las bandas indie nos están ofreciendo, y esperemos que estos artistas no sucumban al inminente e indiscutible peligro para su arte que supone el éxito comercial.