martes, abril 30, 2013

Matmos: creating music out of the mental language

 
Within the landscape of contemporary electronic music, Matmos is an ensemble that has managed to stand out through mere innovation. The release of each one of their records responds to a programmatic conception. For The marriage of true minds (2013), they made parapsychological experiments on several test subjects. They basically tried to transfer what they aimed with this record to those subjects, and then, they collected what those subjects thought they received. I know, it sounds delusional to a certain degree. But the materialization of the project is rather interesting. The marriage of true minds may seem to have an abstract profile, but its solid tracks also holds some sort of narrative. Matmos continues to inject excitement into the electronic music scene, which is something that I, as fan of the genre, feel obliged to celebrate.

This is a live performance of Very large green triangles

lunes, abril 29, 2013

The beautiful, quiet and sophisticated revolution of Maurice Ravel



I love the music of Maurice Ravel. And when you love something, I guess you try to spread your passion to others, in some way or another. In this case, that way is a conscious one: I have decided, through this post, to introduce you to the magnificent oeuvre of Ravel.

Maurice Ravel, like the rest of the so-called “realists”, Bartók and
Janáček, didn’t have urban origins -he was born in a small town called Ciboure. This location, placed in the French Basque country, determined Ravel’s unique musical discourse: a stylized, sophisticated amalgam of Hispanic and Gallic sonorities.

According to Alex Ross, Ravel’s first piano works “carried out a kind of velvet revolution, renewing the language of music without disturbing the peace”. Ravel was, then, a particular revolutionary –a quiet one. This single feature, in my opinion, acts a curse in disguise for his legacy. I strongly believe Ravel’s music has been unjustly underestimated. Although many remarkable composers cite him as an influence (Stravinsky, Messiaen, Copland, Piazzolla), with the exception of his Boléro, his music isn’t that frequently played in the orchestral circuit.


Nonetheless, that condition responds to his own nature. Ravel was known to be quite charming when in contact with others, but he also was a shy and lonely individual. His humble character didn’t allow him to have great ambitions for his music. Besides, he wasn’t particularly prolific. Notwithstanding, that same austerity injected such appealing glamour to his music.


Scholars and historians have often considered Ravel as the most pure French composer, a statement that stands on the French quality of his music, one that certainly inherits the three features of French culture: an elegant overall tone, plenty of graceful moments, and the superb clarity of his masterful orchestration (Leonard Bernstein once hailed Boléro as “the bible of orchestration”.
 And if you need to further prove Ravel's proficiency in outlining the orchestra's vocabulary, listen to Mussorgsky's Pictures at an exhibition, orchestrated by him.)

That splendid tone consists of his handling of texture, an extraordinary disposition of timbres that says a lot about his domain at the manipulation of the orchestra’s expressive resources. Throughout his catalog, a fine approach to harmony (indebted to Debussy), an ingenious treatment of texture (often attributed to Mussorgsky and Rimsky-Korsakov) and an acute sense to craft ingenious rhythmic structures (influenced by Stravinsky) is what make Ravel one of the freshest composers of the twentieth century.


There are several perks for getting close to Ravel’s music. First of all, his works, in contrast to many of his contemporaries’, aren’t particularly demanding. And second, his pieces are generally short and, above all, recipients of a high-level beauty.


Listen, for example, to little gems like Jeux d’eau, (played by the delicate and fine fingers of Martha Argerich); the elegiac Pavane for une infant défunte; the satiric La valse; glorious chamber works like the Piano trio; flamboyant suites like Le tombeau de Couperin; and, in case you have more time in your hands, his larger works like the ballet Ma mère l’Oye or his short opera L’enfant et les sortileges.


I really hope you get to delve into Ravel’s stylish constellation of notes. You will not be disappointed, rest assured; au contraire, I would even dare to affirm that you will end up like me: an obsessive fan of his music, making a compelling case to drag others into his marvelous musical world.

sábado, abril 27, 2013

Jamie Lidell: welcome back to your comfort zone

 
Jamie Lidell is a musician with a restless curiosity. He enjoys immersing in different genres, seemingly evading a natural sense of failure. He first became known for his ingenious integration of soul with electronic music. But his appetite exceeded that first venture. However, his explorations of other genres, like indie-rock for example, haven’t been that successful in my opinion. Luckily, with his latest album, Jamie Lidell (2013), he’s back to that sound I first enjoyed so much. His approach remains imaginative and fresh, reminiscent to old-school paraphernalia present in 70’s Parliament and early 80’s Prince: this is digital funk for a digital era. Jamie Lidell remains adventurous, only this time his experiment has proven out to be a delightful one.

You can listen to Big love

miércoles, abril 24, 2013

Alice’s adventures in Wonderland: an entertaining and hopeful dream

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Ballet has always been infatuated by dreams. This fascination is rather useful: ballet is arguably the most ethereal of all performing arts. In order to convey something, dancers have nothing but their bodies. Lewis Carroll’s Alice’s adventures in Wonderland, is a story that deals precisely with dreams as symptoms to the power of the imagination –a subject naturally given to a balletic treatment.

Recently, I had the opportunity in Buenos Aires to watch a live stream of the Royal Ballet’s Alice’s adventures in Wonderland. This was my first time watching a ballet performance at a movie theater, and I have to say it was a very fortunate one: I just loved this production.

Christopher Wheeldon’s choreography relied heavily on the handling of the corps de ballet, which was certainly impressive. However, with the exception of the character of The Mad Tapper, individuality didn’t play a major role. Alice’s role, for example, wasn’t offered many chances to stand out or shine.

The use of props was very ingenious: the way the dancers were able to integrate them into the story they were telling, with the aid of superb visuals, was at times breathtaking. Technology definitely played a vital role within the production team’s goal of dazzling the audience.

Joby Talbot’s score was, to put it mildly, efficient. The composer, wisely applying a cinematic approach, managed to deliver a musical foundation onto the story could stand firmly. Talbot’s use of orchestral resources was perhaps too cautious. His language was strictly traditional and excessively conservative -he could have made a better use of the brass and the strings sections in certain passages of the ballet. I would even dare to say that, while the music was appropriate, in the end resulted the least imaginative element of the production.

Alice’s adventures in Wonderland is a triumph, and a testament to Royal Ballet’s pursuit of entertaining its audience through the presentation of original material. After seeing this marvelous production, one can only hope that is performed more frequently, even by other ballet companies around the world.

In times like these, where many critics and scholars moan, with a very pessimistic tone, about the not-so-bright future of ballet, an exciting new production like this not only brings well-crafted entertainment but also delivers a needed amount of hope for this magnificent art form.

martes, abril 16, 2013

Emmy Rossum: a sentimental tribute to love songs

  
Emmy Rossum is primarily known as an actress. But her first love has always been music. She sang even before learning how to speak. While she develops a notable career in television and movies, she works on her music, delivering solid material along the way. Sentimental journey, her latest release, pays homage to those magnificent love songs recorded in the 20’s and 30’s. The result is an endearing suite of songs, all of them executed flawlessly by the histrionic, delightfully theatrical voice of Rossum. There are plenty of records of jazz standards, but Rossum’s incarnates a singularity: one that is based in candor and tenderness. Sentimental journey is a record to fall in love with, either be music, or any other thing that might represent the object of your affection.  

This is a live performance of These foolish things

jueves, abril 11, 2013

Manías (III)


A Julia le gusta usar emoticones para expresar sus estados de ánimo cuando está chateando por Facebook, Skype o WhatsApp. No sólo por la economía de caracteres que supone su uso, sino porque a veces siente que algunas de esas caritas logran expresar exactamente cómo se siente. La relación con esos dibujitos es tan íntima que las emociones de Julia terminan expresándose como lo muestran esas figuras. Cuando llora, llora fuertemente como la carita que sale en WhatsApp, por ejemplo. También sonríe de tres formas: una donde no muestra los dientes, otra donde muestra los dientes y otra donde muestra los dientes pero cierra sus ojos.

Sophie habla en spanglish, pero no porque quiera o le parezca cool, sino porque no puede evitarlo. Lo que pasa es que Sophie habla cinco idiomas y a veces se les traspapelan. Sophie sueña en francés, piensa en español y grita en italiano. A veces no se da cuenta en qué idioma está hablando y entonces de repente se le intercala el francés con el español, el italiano con el inglés o el alemán con el francés. Una vez Sophie le formó un lío a su novio en alemán, según ella, el idioma oficial de las peleas. Ella terminó la discusión con una pregunta. Él no le respondió pues no había entendido una sola palabra de lo que acababa de escuchar. "¿Ves? ¿Ves que tú no me entiendes?" le reclamó y comenzó a llorar.

A Esteban le gusta usar sombreros cuando viaja a otros países. Cuando se los pone, se siente como si fuera otra persona. Sus preferidos son las boinas y los sombreros a lo Charlie Chaplin. Pero no los usa en Caracas, le da pena. Teme lo que piensen sus amigos cuando lo vean con un sombrero puesto. Es por eso que cuando se toma fotos estando de viaje en esos países, se quita el sombrero que tiene puesto: puede que lo vean cuando las ponga en Facebook.


A Leonardo le gusta el olor de las cosas nuevas. Los carros, los libros y los jeans son las cosas que más le gusta oler cuando están recién compradas. El olor es un aspecto importante de su vida. Desconfía de los que usan demasiado perfume y puede predecir la calidad del servicio de un hotel con tan sólo evaluar el olor del lobby. Su olor favorito es el de su esposa recién bañada. Luego de un viaje que hizo con ella a Margarita, supo que era la mujer de su vida por el olor que percibió en su cuello cuando venían en el carro de regreso de Playa Parguito. Hasta ese momento, él creía que nadie podía oler bien después de un día de playa: ella sí.

Manuel Alejandro escucha algunas partes de su día a día narradas por la voz de Morgan Freeman, en español. Cuando está en el Metro, en el ascensor o cuando está por acostarse, la voz cálida y señorial de Freeman narra sus pensamientos. Aunque quiera, a Manuel Alejandro le resulta imposible controlar esta fantástica situación. Lo que más le afecta es la manera en la que Morgan Freeman narra los errores de Manuel Alejandro. Como cuando le echó un chiste malísimo a María Fernanda en su primera cita, cuando levantó la mano en una de las reuniones de la compañía para proponer algo que todos ignoraron o cuando decidió comer comida china casi de madrugada haciéndolo pasar una noche terrible. Todas esas lamentables decisiones fueron apropiadamente comentadas por Freeman, en perfecto caraqueño: "Y de nuevo, y de manera irremediable, Manuel Alejandro la ha vuelto a cagar..."

Amanda fantasea con viajar a París. Con frecuencia se mete en la página de American Airlines para averiguar cuánto le sale el pasaje desde Maiquetía. Así supo que la primera semana de Abril y la segunda de Octubre es cuando sale más barato. Amanda ha hecho tres veces el nivel dieciséis (el último) en la Alianza Francesa de La Castellana por temor a olvidar el idioma; se compró un reproductor de LP’s sólo para escuchar un vinil de Serge Gainsbourg que le regaló su padrino; y sus sueños son en blanco y negro como si los dirigiera Truffaut. Amanda ha soñado tanto con París que teme visitarla. Lo que le da miedo es que la realidad se le quede corta a una fantasía que ha estado alimentado por tantos años.

A Heliana le encanta comerse la tapa superior e inferior de los pan de sandwich: esas que son las más tostadas. En lo que se entera que su madre hace mercado, ella se ofrece para ayudarle a acomodar las cosas con el único propósito de guardar el paquete de los pan de sandwich en un sitio que sólo ella conoce. En medio de la noche, cuando todos duermen, ella saca el paquete de su escondite y lo abre, pone la tapa superior en un plato, saca con orden el resto del pan y lo pone en una bandeja y finalmente saca la tapa inferior y la pone en el plato donde está la otra. Heliana guarda estas tapas en una bolsa Ziploc, listas para comérselas al día siguiente y formar parte de su desayuno favorito.

Julie no puede dormir sin tener su novio al lado. Tiene que tocarle al menos una de las partes de su cuerpo mientras duerme: un brazo, una pierna, la espalda. De esto se dio cuenta cuando viajó sola a Buenos Aires. Cuando le comentó esto a su novio, este también le confesó que le pasaba lo mismo. De ahora en adelante, Julie siempre viaja con una franela de su novio. Así, cuando sabe que va a dormir sin su novio, pide una almohada extra, la forra de la camisa de su novio y la pone al lado, paralela a su cuerpo. Allí puede alcanzarle una de sus piernas o uno de sus brazos y procurará soñar con él para imaginar que lo tiene al lado y así poder dormir en paz.


Acá puedes leer la primera y la segunda entrega de esta serie

miércoles, abril 10, 2013

Nick Cave and the Bad Seeds: architects of a warm darkness


Obscurity is often associated with negative features. The thing is that, in both art and life, absence of clarity usually offers a good perspective to look deep inside us. Nick Cave is a proficient artist when it comes to manage mystery, an ability that becomes evident in its latest release with the Bad Seeds, Push the sky away (2013). This is a delicate record, one in which that old adage of ‘less is more’ seemed to be applied to the construction and arrangements of its tunes, whose lyrics involve some sort of melancholic introspection. By handling darkness wisely, Nick Cave has made very alluring music indeed. And listening to a record like Push the sky away offers a great opportunity for us to lose fear to that negative side of ourselves, and get closer to them.

This is the video for We no who u r

viernes, abril 05, 2013

Fito Páez en Luna Park: Amar su música después de amarla

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Tenía casi cuatro años sin escuchar la música de Fito Páez.

Dejé de escucharlo después de Rodolfo: no me gustó Confiá y detesté Canciones para aliens. Reconozco que me había hartado de Fito. Pero nunca dejé de quererlo, cosa que descubrí cuando fui a verlo en estos días en el Luna Park, en Buenos Aires.

Siempre había querido ver a Fito en Argentina. Y deber ser porque tengo cierto fetiche de ver a artistas hacer su arte en su tierra natal. Me causaba mucha curiosidad conocer cómo se sentía la música de Fito en el país que lo vio nacer.

En lo que supe que Fito cerraría la gira con la que celebraba 20 años de su clásico El amor después del amor, no lo pensé mucho y decidí comprarme una entrada. Como ya dije, mi principal motivación estaba representada por la experiencia de verlo cantar en Buenos Aires, pero también temía un poco que verlo en vivo confirmara mi opinión de su música más reciente: que ya no me gustaba.

La imagen con la que me encontré al salir del subte a dos cuadras antes de llegar al Luna Park comenzó a desvanecer ese temor. Parejas jóvenes agarradas de manos que vestían franelas de Fito corrían con emoción para entrar al recinto. En efecto, era una postal de celebrar al amor con amor.

Entré al Luna Park y poco a poco comenzó a llenarse. La emoción era evidente. Un joven delgado de pelo largo que estaba sentado unas filas más abajo se levantó de su silla y comenzó a cantar las primeras estrofas de El amor después del amor, batiendo sus brazos hasta juntarlos y hacer palmadas, aupando a la audiencia a que cantara con él. Otros aplaudían en unísono para intentar apurar el comienzo del show.

Se apagaron las luces y los miembros de la banda se incorporaron a la tarima. La voz de Fito entonaba los primeros versos de la canción que titula el álbum. La euforia no se hizo esperar y no se apagó hasta el final del recital. El momento me emocionó. Empecé a corear muchos de los temas que Fito cantó -unos que incluso ya había dado por olvidados.

El concierto estuvo impecable. La banda estuvo compacta. La voz de Fito desafinó muy poco. La corista Adriana Ferrer, de Medellín, cantaba y bailaba de manera espectacular. Fito cantó el disco de principio a fin (incluyendo videos de los invitados especiales como Luis Alberto Spinetta en Pétalo de Sal, Fabiana Cantilo, Andrés Calamaro y Charly García) y luego de una breve pausa dio comienzo a otros clásicos de su repertorio.

Uno de los momentos que más disfruté, y que dice mucho del talento musical de Fito fue cuando al finalizar de tocar Tres agujas hizo una genial transición a No soy un extraño de Charly García. Otros momentos inolvidables fueron la interpretación de Naturaleza sangre, Ciudad de pobres corazones, y Al lado del camino. Incluso se atrevió a tocar El sacrificio, tema que titula su nuevo –e irregular- disco, el primero de los tres que piensa editar este año.

Ver a Fito en Luna Park me hizo pensar en muchas cosas. Un artista podrá tener sus malos ratos, a fin de cuenta todos los tienen, pero si su música resuena con tus sentimientos se hospedará para siempre en tu corazón. También me sorprendió el cariño de los porteños hacia Fito, un artista cuyo carisma es difícil de resistir. Ser testigo cercano de esa conexión me conmovió. Pero la mayor lección que me dio el recital siempre estuvo en el mismo título del disco que su creador celebraba: aprendí que se puede amar a una música y a su autor, incluso después de haberlos amado.

jueves, abril 04, 2013

Bajofondo: the emergence of an astonishing voice

 
Argentinian supergroup Bajofondo has evolved in a very interesting way. They began manipulating tango with electronic music (Bajofondo Tango Club), then they ventured into songwriting featuring special guests (Mar dulce) and now they have developed a marvelous proficiency when it comes to the creation of instrumental tunes: Presente (2013), in which they have found their voice. That discovery carries a sense of confidence and reassurance that is evident throughout this powerful collection of tracks. The separation of the genres they have approached on this occasion has become blurrier; hence, their identity as a musical ensemble has proven solidified. The greatest attribute of this album is the mastery at crafting strong pieces that are, at the same time, catchy and sophisticate. Tango’s paradoxic features of popularity and complexity cohabit magnificently with more modern sounds. And that, my friends, is nothing but an impressive feat.

This is the video for Pide piso