La vida en un poema escrito en una servilleta. La vida en un Fa sostenido. La vida en una canción reproducida por un iPod. La vida en una nota.

Life on a love poem written on a napkin. Life on a F-sharp. Life on a tune played by an iPod. Life on a note.

viernes, abril 24, 2015

Christopher Wheeldon directs at Broadway


Adapting a classic like
An American in Paris for the stage can certainly be a double-edged sword. On one hand, you get to work with a widely known work of cinema, but on the other, you take the risk of falling short to that piece’s high standard of artistry.

Christopher Wheeldon, one of the most remarkable choreographers nowadays, has embraced the challenge of directing, none other than for the Broadway stage, an adaptation of that marvelous movie. To his advantage, he does have access to a terrific set of songs, written by George and Ira Gershwin, and to what’s definitely more important: lots of inspiration for making dance.

Wheeldon’s link to An American in Paris goes back to his childhood. As soon as he saw the movie in his native England when he was 7 years old, he decided he wanted to dance like Gene Kelly. Wheeldon’s rise to dance’s elite has been nothing but impressive: his formal education began at the Royal Ballet School, where he was later accepted as a dancer; but the next year he decided to be part of New York City Ballet, where he didn’t just dance -he also became the troupe’s first resident choreographer.

Wheeldon’s outstanding talent has made him one of the most sought-after choreographers in the world. Throughout the last ten years he has created ballets for prestigious companies like Royal Ballet, American Ballet Theatre, National Ballet of Canada and Miami City Ballet.

In fact, it was one of those ballets -Alice’s Adventures in Wonderland, which Wheeldon created for the Royal Ballet and was vastly successful when it was streamed in movie theaters around the world- that put his name on the map of An American in Paris’ producers. (It is also worth noting that Wheeldon had already made a ballet to that Gershwin score for New York City Ballet.)

Wheeldon embarked upon adapting An American in Paris, approved by the Gershwin estate, aiming at transforming that enchanting homage to the City of Lights into a celebrated production for the theater. His work received sensational praise by the audience and critics in Paris, where it was premiered last year for a short run of shows.

On Broadway, it has been equally received by the public. As a matter of fact, An American in Paris has become one of the most commercially successful musicals during the last couple of months.

Wheeldon has been celebrated by this genuine homage to the French Capital, one that has been treated with delicacy, grace and a modern approach to classicism. The world of ballet is in desperate needs of a talent like Christopher Wheeldon: a choreographer that looks up into the future while paying respect to the traditions that has made of dance the most fascinating of the performing arts. 

domingo, abril 19, 2015

La Philharmonie de Paris defines a musical experience for the 21st century


The location of La Philharmonie de Paris, the recently inaugurated concert hall in Paris, is a statement in itself: it’s based right next to the Boulevard Périphérique, which is some sort of an eastern border for the French capital.

That Boulevard separates the wealthy Parisian center from the less fortunate suburbs. Hence, La Philharmonie aspires to become into much more than a music venue -it’s committed to a social purpose.

“This is a new vision for a concert hall”, says Laurent Bayle, the Philharmonie’s Director. “Classical music has been concentrated in the west of the city, which is wealthy; the Salle Pleyel, Radio France, the Théâtre des Champs Elysées. From this place, we can reach out to a whole new audience – we can unite the suburbs and the city centre”. With this in mind, Bayle aims to “break down the barriers, shake up the ritual of the concert, prioritise education programmes for young people and make links between musical genres”.

The most recent and direct precedent of a music hall conceived for the 21st century is la Cité de la Musique, a small venue that materialized the ideas Pierre Boulez had for how music should be played in these times. (That building offers flexibility for contemporary works and also hosts a museum and rooms for educational events.)

Paris audiences for classical music are aging at an alarming rate -the average age is around 60-, so the new hall’s leaders are making a significant effort in putting up what they call “eclectic programming”, one that includes jazz, world music, hip-hop and electronic music. (There are special promotions for families with tickets for concerts at 12 euros.)

La Philharmonie is a concept that could only be feasible in a country like France, where culture and education are considered fundamental pillars of the society, supported by a great financial aid from the government. The construction of the hall reached almost 400 million euros, which generated controversy -political disputes, strikes, budgetary miscalculations- enhanced by the fact that the opening was recurrently delayed. (Even when it took seven years to finish it, the concert hall was opened with unfinished details.)

The other feature that has been unanimously praised by the critics is the structure of the hall. Designed by Jean Nouvel, la Philharmonie is a juncture of two approaches on the architecture of the concert hall. On one hand, it’s based on the traditional shoebox model established by 19th century theaters; and on the other, it takes inspiration from the more recent “vineyard” model from the 20th century, where the orchestra is located in the center and the audience “surrounds” the musicians. This setup allows the public to be fairly close to the action. La Philharmonie possesses banks of seating that offer what several reviewers have described as an intimate experience.

Besides the 2,200-seat concert hall, la Philharmonie has rehearsal rooms with public galleries, workshop spaces where staff can take care of the children while their parents enjoy the concerts, and there’s also a gallery space that currently hosts the vastly successful exhibition on David Bowie paraphernalia. (Cafés and restaurants are also part of the complex.)

La Philharmonie de Paris represents what music must be for the 21st century: all-encompassing, accessible, thought-provoking. Performing arts administrators not only must inject enthusiasm to classical music, they also need to exploit the social component inherent to making music. At the end of the day, sound is nothing but alterations, so music should shake us, putting us in touch with the artists who create those beautiful vibrations. In that contact belies the social in music -and that’s what la Philharmonie seems devoted to.

jueves, marzo 26, 2015

¡Joyeux anniversaire, Maestro!


Hoy cumple 90 años Pierre Boulez, el que quizá sea el músico vivo más importante del siglo XX. No exagero: Boulez es un auténtico titán que conmocionó la música académica gracias a un talento extraordinario, un discurso visceralmente implacable, notables emprendimientos culturales y una excepcional habilidad de interpretar el repertorio contemporáneo.

Bajo la tutela de maestros como Olivier Messiaen y René Leibowitz, Boulez comenzó a interesarse por el dodecafonismo mostrando desde temprana edad que siempre fue un artista de su tiempo. Aunque en ocasiones parecía adelantársele gracias a su absoluta convicción por las vanguardias.

A medida que sus primeras composiciones ganaban notoriedad, Boulez se erigió como una de las figuras más prominentes de la música de la post-guerra, recurriendo la abstracción y la experimentación como medios para recomponer a una Europa devastada. Esta privilegiada posición lo pondría en contacto -y luego lo enemistaría- con personajes importantes de la época como Berio, Cage, Nono y Stockhausen: estandartes de lo que se conoció como la Escuela de Darmstadt.

Su talento como compositor no fue lo único que lo destacó en la escena musical, pues su perfil de gestor cultural también se puso de manifiesto en el que quizá sea su mayor legado institucional: la fundación del IRCAM, un laboratorio que fomenta la experimentación en la música electrónica. Boulez también fundó el ensemble intercontemporain, una estupenda pequeña orquesta de cámara dedicada a interpretar joyas de la música compuesta en estos tiempos.

Los 70 significaron la consagración de Boulez como director de orquesta, pues tomó la batuta de orquestas como la Cleveland Orchestra y la New York Philharmonic, un mandato diametralmente opuesto a ese epítome de la popularidad que consiguió su predecesor Leonard Bernstein. Boulez se dedicó a desafiar el establishment neoyorquino programando piezas difíciles e inaccesibles, esforzándose por despojar de solemnidad a la música clásica organizando los “rug concerts”: conciertos donde las butacas fueron reemplazadas por alfombras, poniendo al público a la misma altura que los músicos de la orquesta.

El excepcional talento como intérprete de Boulez ha quedado registrado en magníficas grabaciones (laureadas con 26 Grammys). En mi opinión, las piezas de Ravel, Debussy y Stravinsky reciben lecturas esencialmente galas: elegantes, claras, exquisitas. (Añadiría también las versiones de las sinfonías 6 y 7 de Mahler.)

El carácter contestatario es el que mejor define a la figura monumental de Boulez. Su verbo incendiario lo llevó a enfrentarse con antiguos profesores y amigos como Messiaen, Stravinsky, Cage y Schoenberg. En esta inclemente cruzada, Boulez siempre se esmeró únicamente por poner al frente y por encima de todo a la música.

Boulez afirmaba que había que bombardear a los teatros de ópera, que el compositor que no sintiera al serialismo como una necesidad era un inútil, que todo el arte del pasado (incluida La Mona Lisa) tenía que ser destruido; cuando era joven abucheó conciertos de Stravinsky y saboteó presentaciones de su antiguo mentor Messiaen. Boulez era el Kanye West de la música clásica: increíblemente talentoso, odiado por muchos pero indiscutiblemente influyente.

Esa lengua irascible se ha calmado con los años, pero sólo un poco: en la última entrevista concedida al New York Times, Boulez afirmaba que el rol del músico era provocar; que si sólo se tocaba música para un concierto más no era música, era marketing. Boulez también declaró que el que quisiera tener una vida interesante tenía que esforzarse. “Me sorprende que la gente no sea más creativa en estos días, y cuando digo más creativa me refiero a que no se exijan más a sí mismos. Tú nunca tendrás resultados si no estás peleando.”

Boulez es un tipo difícil que hace música difícil. No hay testimonio más elocuente e inspirador de la dificultad como preludio para la grandeza que su fascinante vida y su trascendental legado.

¡Gracias por desafiarnos, Maestro! ¡Felices 90!

sábado, marzo 07, 2015

Cine para dos


A mí me encanta ver películas con buenos diálogos. Debe ser porque me encanta conversar, pero disfruto muchísimo ver a dos personajes hablando en pantalla grande. Suena sencillo, pero el reto de construir toda una historia sobre sólo dos personas resulta bastante complejo. Primero, la historia debe ser lo suficientemente poderosa para que se sostenga en dos individuos y segundo, los actores deben ser lo suficientemente talentosos para cargar esa narrativa sobre sus hombros. Acá una lista de mis películas favoritas de dos personajes. (La idea de este post es compartir, así que sus sugerencias son más que bienvenidas.)

Before sunset: Esta es mi película favorita. La segunda parte de la trilogía de Linklater tiene una conexión increíble con mi vida.


La Venus à la fourrure: Un director de teatro y una actriz se ven envueltos en una vorágine de ficción, realidad y deseo.

En la cama: Dos amantes tienen tres encuentros sexuales en un cuarto de motel que desencadenan un drama fascinante.

My dinner with Andre
: Dos amigos se juntan a cenar luego de años sin verse, desarrollando un apasionado debate filosófico que devela cuánto han cambiado y cómo los prejuicios casi siempre terminan siendo derribados.

Une liaison pornographique: Él y ella se juntan para satisfacer una fantasía sexual que se encargará de develar sentimientos que ninguno de ellos se atreverá a aceptar.

Sleuth
: Laurence Olivier y Michael Caine ofrecen una clase magistral de actuación a lo largo de maravillosos desafíos intelectuales.

The Sunset Limited
: El comedor de un departamento es el escenario de un intenso choque de creencias, circunstancias y principios.

Medicine for melancholy: una pareja tiene una aventura de una noche que se extiende hasta convertirse en todo un día, en una serie de reflexiones sobre temas como el amor, el racismo y la vida, teniendo a una cautivante San Francisco en blanco y negro de fondo.

Gerry: Dos amigos atraviesan el desierto poniendo a prueba su amistad en este contemplativo film donde el silencio dice más que las palabras.

Some velvet morning: Inquietante drama erótico en el que nada es lo que parece: sobre todo al final.

viernes, marzo 06, 2015

SOHN: voice as an enthralling instrument



As soon as I heard SOHN's highly textured voice, I was totally seduced by his sound. Tremors, his debut album, is an outstanding work that brings his unique voice upfront, supported by a myriad of ethereal synths, old-school drum machines and futuristic noises. This music contains a fascinating paradox: the lyrics are filled with nostalgic scenes while the arrangements come off as a decisively avant-garde endeavor. SOHN's magnificent voice and his proficient way of handling it as a rich sonic palette is what makes this album so compelling. Tremors sounds like melancholy scored for an imaginary sci-fi film. Curiously enough, this is what makes it profoundly human. 

This is the video for Artifice

domingo, febrero 22, 2015

Perderse (o la mejor manera de conocer una ciudad)

 
En estos últimos días me ha dado por “perderme” en Buenos Aires.

Ok, lo de perderme es relativo, por eso las comillas. De todas formas sí hay algo de caminar sin rumbo -o sin un destino claro- en esa reciente manía que me ha permitido conocer a Buenos Aires de una manera muy particular.

Uno de mis recorridos favoritos en la ciudad es caminar hasta el MALBA desde la esquina de Santa Fe y Scalabrini Ortiz; de allí subo hasta Libertador, sigo hasta llegar a Salguero y luego subo hasta Figueroa Alcorta.

En estos días me tocó ir al MALBA y seguí el mismo recorrido, con la excepción de que me permití algunas variaciones. En vez de subir por una calle, me metía por otra. A esto me refiero con “perderme”, es decir, yo sé adónde voy pero me permito ocasionales desvíos.

Estas alteraciones me permiten conocer lugares que de lo contrario no pudiese descubrir: bares, tiendas, cafés, restaurantes y hasta casas con fachadas impresionantes. Estas “perdidas” me han revelado una encantadora faceta de Buenos Aires -y una que no se consigue en guías de turismo, revistas, diarios o blogs.

Perdiéndome de esta forma he podido encontrar a una Buenos Aires que constantemente me sorprende, impresiona y seduce en proporciones casi iguales.

Esta manía la he aplicado en barrios como Palermo, Belgrano, San Telmo, Chacarita y Recoleta. Y todas estas perdidas me han regalado sabrosas conquistas inesperadas.

Si algo he aprendido con la llegada de mis treinta es que no hay nada malo en no saber. Por el contrario, admitir nuestra ignorancia es prescindir de ese control tan inquietante que pretendemos tener sobre cada aspecto de nuestras vidas.

Y escribo ese último párrafo porque bien pudiera aplicarse a las ciudades donde vivimos. Si intencionalmente decidimos recorrerlas sin ningún plan o destino en concreto, es mucho lo que ellas tienen por mostrarnos.

La falta de certeza no debiera angustiarnos tanto, más bien deberíamos dejar que el futuro (o nuestras ciudades) nos ofrezcan esa súbita emoción que sentimos cuando no sabemos con lo que nos vamos a encontrar: la sorpresa.

sábado, enero 24, 2015

Nosotros

 
Pareciera que estamos bien.

Pareciera, pero no.


Que cuando vamos a un café y nos sentamos a leer o escribir en soledad, estamos cómodos y hasta satisfechos con la ausencia de compañía.

Que cuando vamos a un bar, pedimos un trago y nos ponemos a hablar con alguien, nos vemos tan seguros, tan autosuficientes: ostentando ese atractivo que concede la indiferencia.

Que cuando vamos al cine, al teatro o a un concierto, y pedimos una sola entrada, ignoramos la desconcertante y patética mirada que nos lanza quien atiende la taquilla.

Que cuando viajamos solos a una ciudad, y tomamos fotos tristes de paisajes o lugares a los que vamos solos, parecemos tan independientes, tan iconoclastas, tan espíritus libres.

Que cuando vamos solos a un museo nos mostramos tan interesados en esas obras de arte, tan intelectuales, tan bohemios, tan de mundo.

Que cuando hablamos de nuestros logros -esas cosas que hemos hecho por nuestra cuenta, sin ayuda de nadie-, sonamos tan emprendedores, tan proactivos, tan inspiradores.

Que cuando hablamos de nuestras aventuras sexuales, se nos escucha tan audaces, tan post-modernos, tan sexy.


Pareciera que estamos bien, que no nos importa y que hasta estuviéramos orgullosos de nuestra condición.

Pareciera.

Pero no: lo que verdaderamente queremos es estar con alguien.