jueves, noviembre 19, 2015

Is there an “effeminate” way of conducting?

Alondra de la Parra was recently named the new conductor of the Queensland Symphony Orchestra. The announcement was nothing but historic: besides Marin Alsop and some other exceptions, few orchestras are being led by women.

Coincidentally, I attended last week to a concert by the Orquesta Sinfónica y Coro RTVE, conducted by the Chinese conductor Yi-Chen-Li at Madrid’s Teatro Monumental. The program’s first half consisted of a -slightly inaccurate- performance of Tchaikovsky’s Romeo and Juliet Fantasy-Overture, followed by an outstanding rendition of Alexander Glazunov’s Concerto for Sax and Orchestra by soloist Beatriz Tirado.

During the intermission, I overheard a couple of old ladies arguing about what we just had heard. One of them complained -rather vigorously- that Chen-Li’s interpretation of the Overture lacked the ferocity required by its most aggressive passages. She finished her remarks by stating, in the form of an unrequited hope: “Oh, if only the piece had been conducted by a man...”, implying the Tchaikovsky would have sounded tougher -hence better- if a man were conducting the orchestra. Her statement went into my head and kept ringing for a few days...

First of all, even when I didn’t like Ms. Li’s grasp on that overture -the brass and the string sections just didn’t seem to go along- I disagree with that lady in terms of the toughness of her interpretation: the orchestra roared when it had to, indeed.

Now, let’s go back to the question that originated this post. Even when I don’t have that large of an experience listening to women conducting, I’ve enjoyed the concerts I’ve been to. (I did end up disappointed in Alsop conducting Beethoven’s Eroica with the Baltimore Symphony at Carnegie Hall in 2010, but my discomfort came from her choice of tempi, not her strength.)

That question could play an interesting part in a discussion among classical music circles centered around the lack of women holding major posts in orchestras: Why? Is it because of sexism, discrimination, lack of opportunities?

In this case, some sort of intrigue seems to surround this interrogant: does music sound different when conducted by women?

Throughout the last two thirds of the twentieth century, there seemed to be this notion that there were nationalistic traits attached to the way of playing classical music. German: aggressive; Austrian: aggressive, yet subtler; Italian: fast; Russian: raw; French: refined; Japanese: precise; American: bold.

I really don’t know if that theory still holds up, though. The new generation of conductors is taught by maestros and leading orchestras with musicians from several nationalities. Long story short: it’s very difficult nowadays to judge music just because it’s conducted by musicians from specific countries.

Ok, so back to my dissertation: has gender become a new parameter of judging music? Is there really an acute difference in sound when the baton is taken by a woman? And if that were the case, would that be a bad thing?

I strongly oppose to this idea. One of the greatest assets of music is its inherent richness. A particular piece may be written hundreds of years ago, but endless possibilities arise the moment a conductor grabs the baton.

When I started going to classical music concerts in my hometown (Caracas, Venezuela), one of the best pieces of advice I’ve heard came from an old woman who had been attending to classical music concerts throughout all her life:

“Seize every opportunity you have to see an orchestra. It doesn’t matter if you like -or even if you know- the pieces being performed. Just go and watch as many different orchestras as you can. That way you will really grasp the power of how music can sound.”

I’ve taken her advice indeed: whenever I can go to a classical music concert, I just do it. It’s the greatest way to learn how to listen to music. Diversity, in that sense, adds value to music. And if music sounds different, that’s the audience’s gain -not its loss.

If we in the audience still remain prejudiced about a woman conductor, then we shouldn’t expect a different behaviour from the management or the people who decide to put a woman in the podium.

When I found out about Alondra’s naming I couldn’t be happier. She’s enormously talented and hardworking. I just hope I can see orchestras evolving until the point in which a woman conducting isn’t longer the exception.

jueves, octubre 29, 2015

Words Without Music: Philip Glass offers an inspiring testimony

Philip Glass is not only one of my favorite composers, he’s also one of the musicians who inspires me the most. Everytime I read or listen to his interviews, I can’t help but feeling encouraged to follow my vocation -whatever that might be.

That been said, as soon as I heard he had published his memoirs, entitled Words Without Music, I felt the irresistible urge to read them. (My sister was kind enough to give it to me as a birthday gift.) And I literally devoured it. I found so much wisdom in his writing that I felt compelled  to share with you the wonderful lessons I received.

I really hope you can find this book and read it in its entirety. What I’m about to write is only a tiny preview of what this magnificent book has to offer for every musician or music lover.

The first thing that captivated me when I started reading Words Without Music was the warm and intimate voice in which it was written. While reading it, it felt almost as if I had Philip Glass telling me his amusing stories in front of me. This tone is fairly persistent throughout the entire book and it’s definitely one of its strongest assets.

One trait that I really admire of Philip Glass’ personality is his modesty. Whenever I hear him talk about his life I feel some sort of empathy, like he’s on your side, even when he’s one of the most celebrated, awarded and praised composers of our time. Reading this book made me feel like as if I were at his level -not below or out of his reach, which is something that I felt while reading John Adams’ memoir, for example.

Glass recounts the many jobs he had to undertake for many years until he “made it”, i.e. when he could finally make a living as a composer at the age of 41. This is certainly one of the most inspiring pieces of information I was able to obtain. Knowing that it took, someone as talented and prolific as Philip Glass, all those years to find success as an artist definitely inspired me to being patient in my quest for my own artistic success.

Philip Glass doesn’t sound at all embarrassed that he had to work at a record store or a factory; or plumbing, driving a cab, or moving furniture. All the opposite: he seemed to find pride of taking jobs at each one of those positions so he could cover his expenses and invest his talent in his art, which is humbling and totally exemplary.

Another thing that I found illuminating for understanding his journey was his revelation that, above all, he considers himself a “theater composer”: an artist that writes music for the stage. This shouldn’t be taken for granted given his vast catalog of works written for opera, dance and theater, but also as a very eloquent feature of his highly collaborative spirit.

Whenever Glass came to live at a different town (Baltimore, Chicago, New York, Paris) he made sure to meet and surround himself with talented people from various artistic disciplines. Every one of these liaisons and alliances nourished him immensely. Working all the time with artists from different fields must have surely enriched his voice.

The stories Glass tell about his classes with renowned composition teacher Nadia Boulanger are also heartwarming. The most important lesson he got from her was to cover the fundamentals of composition. She also taught him how to listen, which is the main pillar upon writing music is built. Glass emphasizes that writing music is, above all, about hearing.

While reading this delightfully instructive book, the main lesson that I got was that Philip Glass never seemed to have doubted about his calling: he decided to dedicate his life to writing music, in a pure and relentless way.

Throughout every harsh time he had to face as an young artist, there seemed to be an underlying confidence in his own talent as a musician. This is the most valuable gift I received from Glass’ writing: that no matters what happens, you should remain loyal to your calling.

viernes, septiembre 25, 2015

Anne me enseña a comer bien

Anne vino a Buenos Aires a comer.

Anne es una chica estadounidense que conocí en el instituto donde daba clases de inglés. Un día, mientras me preparaba un café en la sala de profesores, escuché que le recomendaba una parrilla a otro colega. A mí me encanta comer, así que me le acerqué para conocerla. De inmediato compartimos sugerencias de restaurantes en Buenos Aires e incluso planeamos ir a comer juntos.

Anne tiene un doctorado en estadística y vivía muy bien en Pittsburgh, hasta que un día decidió salir al mundo para hacer realidad ese sueño que tanto había nutrido leyendo libros, ojeando revistas y viendo documentales: comer bien.

A lo largo de los últimos tres años, Anne ha vivido -y comido- en Roma, París, Lyon, Nueva York, Portland y Chicago. (Su próxima parada es Lima). Sus estadías en cada ciudad oscilan entre 2 y 4 meses: tiempos que le permiten formarse una opinión sólida sobre el gusto de cada urbe (o vivir con visa de turista en caso de los países foráneos).

Para quedarse con una buena idea de la comida de cada lugar, Anne aplica un precepto estadístico: para armar una muestra confiable hay que comer bastante. Ella me asegura que llega a conocer entre 60 y 80 sitios por ciudad. Como es de esperarse, la mayoría de ellos son regulares, pero cada tanto consigue ese lugar que le confirma su decisión de haber dejado su vida anterior para entregarse al placer de la lengua.

Anne es parca, retraída, de pocas palabras. Su precariedad en gestos puede tomarse como un signo de frialdad. Sin embargo, fui capaz de poner eso a un lado para aprender al máximo de ella. Las veces que nos vimos yo la inundaba de preguntas. Así pude obtener de ella información ciertamente extraordinaria.

Para Anne, la mejor comida que prepara Buenos Aires es la parrilla: “Es algo que les importa. Y los argentinos -como los italianos- son bastante apasionados en lo que les importa: fútbol, música, política. Por eso es que las milanesas son tan insípidas: porque no les importa”.

Otra decepción que le ha dado la capital porteña han sido sus pizzas. “Pensé que iba a encontrar buenas pizzas en la ciudad dada su importante herencia italiana, pero no ha sido el caso.” ¿Por qué? “Demasiado queso. Y no es buen queso.” (Las pastas tampoco le impresionaron.)

Anne me confesó que las mejores comidas de su vida las ha tenido en los restaurantes baratos que están ubicados en los centros de las ciudades (e incluso en sus partes pobres), no en los caros (salvo pocas excepciones, claro está). Asimismo, Anne ha podido confirmar -y refutar- ciertos clichés a lo largo de ese recorrido gastronómico alrededor del mundo: en Lyon se come mucho mejor que en París, en Roma se come muy bien pero demasiado, en Chicago y Portland se come bien pero caro, en Nueva York se come muy bien y muy barato.

De los franceses, Anne se queda con su forma de pensar a la comida: como medio de placer, rito social, tributo a la artesanía. De los italianos, encuentra fascinante ese íntimo nexo que une a la comida con la familia. (Para disfrutar de la mejor comida italiana, Anne recomienda comer en casa de la mamá de alguien.)

Uno de los criterios que aplica Anne para juzgar -o predecir- la calidad de un restaurant son sus ensaladas: “Si el chef puede lograr que un montón de vegetales sepa bien, entonces es bastante alta la posibilidad de que te guste lo que comerás luego.” El otro es el número de meseros: “Desconozco la razón, pero desconfío de los sitios que tienen demasiados meseros: me suele ir mal.”

Todo este festín de placer debe tener su contraparte, así que le pregunté a Anne qué era lo más difícil que debía afrontar a la hora de salir a comer. Su respuesta, como gran parte de las cosas que me decía, me sorprendió: “Lo que más me cuesta es ese dilema entre decidir si volver a un sitio que ya me gustó o probar uno nuevo. No te miento, Victor: llega a atormentarme.”

A Anne no le gusta el dulce. Su argumento, más que gastronómico, raya en cierta filosofía purista: “Me asquea el hecho de comer algo dulce cuando estoy tan llena. Detesto la idea de que el postre sea como una especie de premio, de trofeo, de algo que corona el final del comer. El premio es la comida misma, punto.”

Con Anne compartí comidas memorables en El Refuerzo, Albamonte, Pan y Arte y Chan Chan. Allí pude observar su patrón de conducta al comer: al sentarse toma la carta y se toma su tiempo en leerla y revisarle hasta el último detalle, le echa una mirada intensa y minuciosa al sitio (el suelo, el techo, los manteles, el resto de los comensales), interactúa estrictamente lo necesario con el mesero y con la compañía (conmigo), al recibir la cuenta la escruta con suspicacia, no toma fotos (no tiene Instagram) y toma notas en un cuadernito que para mí es como una biblia que me encantaría poder escudriñar. (No me la dejó ver nunca: se lo pedí varias veces).

- ¿Y qué piensas hacer con todo eso que anotas? ¿Publicarlo en un blog? ¿Escribir un libro?
- No lo tengo claro... Nada, quizás.

Anne recomienda probar de todo: lo barato y lo caro, lo que celebran los foodies y lo que condenan, lo clásico y lo moderno, pues nunca se sabe dónde encontrarás ese bocado que te detenga el corazón y te haga sentir, al menos por un instante, que la vida comienza por la boca.

martes, septiembre 01, 2015

Mis cafés favoritos de Buenos Aires

Cuando empecé a decirle a la gente que me venía a vivir a Buenos Aires, dos amigas que ya estaban allí me advirtieron que la ciudad no hacía buen café.

Y me lo decían precisamente porque saben lo importante que es el café para mí.

A ver, recapitulemos un poco. El café me ha acompañado desde niño. A mi abuelo le gustaba contar la historia de que cuando me llevaba al colegio, yo me aseguraba de recordarle que me pidiera un café con leche en una panadería que quedaba cerca. Desde entonces el café ha seguido estando omnipresente en mi vida.

Una de las cosas que más extraño de Caracas son sus café con leche de panadería. Las últimas veces que he ido a Caracas me atiborro de esos deliciosos brebajes. (Debo tomarme al menos cinco por día.)

Sí, el café para mí es una obsesión. Tanto que hasta el primer libro de cuentos que escribí se lo dediqué al café.

Volvamos a mi vida en Buenos Aires: mis amigas tenían razón. Recuerdo que me era muy difícil conseguir buen café en mis primeros días viviendo en la ciudad. De todas formas me puse las pilas y emprendí una exhaustiva investigación para conseguirlo. Más de tres años de búsqueda incesante están condensados en este post que ahora les comparto con mis cafés favoritos en Buenos Aires:

Lattente (Thames 1891): En este minúsculo espacio ubicado en Palermo hacen el mejor café de la ciudad. Cuando vienen amigos café-adictos como yo de visita a la ciudad, los llevo para allá sin pensarlo dos veces. (Una amiga me llegó a decir que allí se había tomado el mejor café de su vida.) La atención es muy buena y los baristas se desviven por prepararte un café perfecto. (Lo único malo es que cuando se llena es inevitable sentirse un poco abrumado.)

FULL CITY COFFEE HOUSE (Thames 1535): Esta cafetería es bastante cómoda y el café es excelente. La atención es cálida y tengo entendido que la comida también es exquisita. Si Lattente está muy full me vengo para acá: los separa sólo unas tres cuadras. El valor añadido viene por la música que reproducen: una vez escuché temas que sólo los fans de David Bowie como yo pueden reconocer. Y bueno, desde esa tarde se ganaron mi corazón.

Birkin Coffee Bar (República Árabe Siria 3061): Esta cafetería para mí es una parada obligada cada vez que voy al MALBA, pues los separa una distancia perfecta para recorrer esa parte que tanto me encanta de la ciudad. El sitio tiene una estética muy bien cuidada. El servicio, al menos desde mi experiencia, ha sido algo inconsistente: hay veces en que me han tratado muy bien y otras en las que he sido víctima de cierta indiferencia hipster.

Crisol (Cap. Gral. Ramón Freire 1502): Me convertí en un regular de este sitio que queda en Colegiales desde que me mudé a Belgrano. Los desayunos, muffins y tortas que venden son deliciosos. Pero la reina del lugar es la taza Crisol, que es prácticamente un tazón de sopa relleno de café. Esto, para nosotros los café-adictos, sencillamente es pornografía. (También estoy enamorado de una de las meseras.)

Barrio Cafetero (Reconquista 513): En pleno centro de Buenos Aires, Barrio Cafetero se erige como un templo del café bien hecho a pesar de su modesto tamaño. Aunque tiene algunas sillas y está muy bien decorado, el sitio es ideal para pedir café para llevar y ponerse a ver a la gente que transita por el agitado corazón de la ciudad. (Al menos eso es lo que yo hago cada vez que voy para allá.)

Ninina (Gorriti 4738) Cuando estoy por Palermo y por alguna razón no voy ni a Lattente ni a Full City House, termino en Ninina. El café es muy bueno, aunque un poco caro. Lo ideal es merendar y pedir una rica torta. El sitio es bastante cómodo, la estética está muy bien lograda y la atención es impecable. (Un dato: puedes sentarte en una mesa que da frente a los pasteleros, así que los amantes del dulce también pueden saciar su fetiche de manera visual.)

All Saints Cafe (Ciudad de la Paz 2300, esq. con Olazábal): Esta cafetería ha sido mi más reciente descubrimiento. El café es muy rico y la atención es buena. El lugar es ciertamente llamativo, pues ostenta cierta vibra reminiscente de las cafeterías de SoHo. Lo único malo es que las sillas no son muy cómodas, así que les recomiendo que pidan el café para llevar y se lo tomen en la Plaza Manuel Belgrano. (Y así aprovechan de pasear por el barrio.)

Al principio pudo haber sido difícil conseguir un buen café en Buenos Aires, pero el que busca encuentra. Ahora, el hecho de que yo haya encontrado buen café no significa que mi investigación haya terminado. Para nada: en toda obsesión la búsqueda es perpetua. Así que si tienen otra recomendación no duden en compartirla. A mí me encantaría conversar -o conocerte- con un café muy rico de por medio.

viernes, julio 31, 2015

Hacer reír a prisioneros

Si te puedes reír de ti mismo, estás un paso más cerca de tu libertad
Jeff Ross

Jeff Ross es un comediante que ha ganado cierta popularidad como maestro de ceremonia de los Comedy Central Roasts: programas donde un grupo de famosos se juntan para burlarse de una celebridad.

Para su último proyecto, Jeff Ross Roasts Criminals: Live at Brazos County Jail, Ross interpretó su particular estilo de “insult comedy”, nada más y nada menos que dirigido a prisioneros en una cárcel.

Quizá la iniciativa haya llamado mi atención por lo arriesgada o lo innovadora, pero también desató cierto cuestionamiento moral en mí. Mi primera reacción fue algo así como: este tipo es un genio, qué idea tan buena, qué audacia; pero luego mi juececillo moral comenzó a hacerse preguntas como: ya va, ¿stand-up comedy en cárceles? ¿un comediante burlándose de prisioneros? ¿este tipo se está esforzando por hacer reír a un grupo de personas que cometieron delitos?

Mientras promocionó su especial por varios medios, Ross confesó haberse transformado por la experiencia. Cuando le preguntaron cuál fue su mayor aprendizaje, él reveló que fue darse cuenta de que la mayoría de los prisioneros eran más parecidos a él de lo que hubiese pensado. Él también reflexionó sobre el estado inhumano en el que se encuentran algunas de esas personas, y también reclamó de que el sistema penitenciario hace muy poco por rehabilitarlos y mucho por el efecto contrario: empeorarlos.

Mi cuestionamiento moral quizá se haya desatado porque me desconcertaba que algo tan placentero como la comedia tuviera lugar en cárceles, donde habitan sujetos que han cometido atrocidades. Pero resulta que ese juicio se dirigió hacia un cuadro incompleto. Las prisiones también albergan a individuos que han sido injustamente detenidos; y a otros que cometieron errores, pero que están arrepentidos y decididos a redimirse una vez estén en libertad. Esta última distinción me hizo recordar a uno de los personajes más interesantes que conocí en Nueva York.

JD era un joven afroamericano que se sentaba todos los días a trabajar con su computadora en uno de los lugares donde yo trabajé. Uno de mis colegas me contó por encima la fascinante historia de JD: él había estado en prisión por tres años pero se había rehabilitado. De hecho, la razón por la que venía a trabajar era porque había internet y lo necesitaba para trabajar en la tesis para obtener su título de abogado.

Intrigado por el relato, un día me le acerqué a JD y de manera muy sutil le pregunté qué hacía en su computadora. JD, muy simpático y abierto, me invitó a que me sentara con él, pues advirtió que contarme su historia le tomaría algunos minutos.

JD partió en su carro desde su casa en New Jersey hasta su oficina que quedaba en Manhattan. Había dormido muy poco la noche anterior por una discusión que tuvo con su novia. A dos cuadras de su casa hizo le dio con su carro a un chico que corría para tomar el autobús a su colegio. JD no iba a mucha velocidad pero el muchacho se dio un golpe grave al caer: la lesión hizo que cayera en coma. Su nuca se lesionó bastante, tanto que los médicos temieron que quedara paralítico. JD tomó al niño en su carro para el hospital más cercano y allí fue detenido.

En prisión, JD estuvo en contacto con todo tipo de individuos, pero él gravitó hacia tipos como él: personas que habían cometido errores con serias consecuencias. Muchos de ellos eran  víctimas del sistema: retrasos burocráticos, inconsistencias en sus juicios, abogados incompetentes. Por estas fallas y su sentimiento de culpa, el mejor amigo de JD en prisión se suicidó. JD se prometió entonces luchar por esas personas: lo primero que hizo al estar en libertad fue inscribirse en un community college para estudiar derecho.

JD afirmó: “La gente ve la cárcel como un lugar al que pertenecen los demás. Como si se refiriera a personajes de películas, a cosas que no pasan en la vida real. Lo que nunca sospechan es que a ellos también les puede pasar: lo quieran o no, como a mí. El chico que yo arrollé está bien ahora, está vivo. Salió del coma luego de un par de meses, pero perdió un año completo de su educación. Yo no lo quité su vida, pero le quité un año de su vida. Yo no sé si alguna vez me llegue a perdonar por lo que hice, pero estoy decidido a darle la oportunidad a otros que, como yo, intenten buscar de alguna forma su perdón.”

Son ellos, prisioneros como JD, los que merecen reírse y gozar del talento creativo de un comediante como Ross. Son ellos los que, riendo, pueden acercarse a su segunda oportunidad.

¿Hacer reír a prisioneros? Pues sí, a ellos sí.

lunes, junio 15, 2015

¿Por qué es tan difícil enamorarnos a los 30?

En estos días hablaba con dos amigas sobre el amor. Una de ellas prefería el amor intenso, ese que hace pulular mariposas en estómagos, ese que carga la antorcha de la pasión; la otra prefería el amor más tranquilo, ese que establece una confianza a fuego lento, muchas veces ajena a la volatilidad del deseo.

Yo no sé si ésas sean distintas clases de amor o etapas de un mismo amor, pero la conversación me dejó pensando bastante.

Para el que no me conoce (o me lee por primera vez): yo solía ser un romántico. Prueba de ello son las decenas de escritos que publiqué en este espacio. Sin embargo, en estos días caí en cuenta de que tengo cinco años sin enamorarme. Cinco.

Antes me enamoraba muy rápido de cualquier chama que me gustara y me cayera bien. Para mí era muy fácil fantasear una vida entera con ella. Sí, así de cursi. Así de cursi era.

¿Qué pasó entonces? O mejor dicho: ¿qué me pasó? Bueno, que pasaron dos cosas que están más relacionadas de lo que hubiese pensado. Una: la última vez que me enamoré. Dos: la llegada de mis treinta. ¿Qué tiene que ver una cosa con la otra? Pues mucho, y eso es lo que intentaré explicar acá.

La última vez que me enamoré fue intensa, tan intensa que a veces creo que fue la única vez que me he enamorado. Y digo eso porque pensé hacer varias cosas excepcionales, sólo posibles estando bajo el encanto del amor: cambiarme de país para vivir con ella (con todo lo que eso implica) y presentarle mi novia a todo el mundo (hasta soñaba con llevarla a Venezuela para que conociera a mi familia).

Pero ese amor terminó. No creo haber sentido un dolor tan grande, al menos en cuestiones del corazón, como el que sentí cuando supe que todo había terminado. Sí, al parecer ésa fue la única vez que efectivamente me he enamorado.

Me costó mucho tiempo superarlo y recuperarme: demasiado. Para volver a sentir algo siquiera cercano pasaron algo así como tres años. Tres. Demasiado. Luego salí con varias chamas pero al final los intentos resultaron infructuosos. En cuanto a las cosas comenzaban a ir bien siempre pasaba algo que frustraba cualquier atisbo a un horizonte promisorio.

Por otro lado está la llegada de mis treinta: salir a esta edad es bien jodido. Y enamorarse, mucho más. En teoría tú a esta edad ya estás “hecho”: graduado, con trabajo, independiente; estás más seguro de lo que quieres, estás más a gusto contigo mismo. Pero encontrar a alguien con quien compartas ciertas aspiraciones es bastante difícil, simplemente por lo delicadas que pueden llegar a ser: vivir juntos, casarse, tener hijos; conjugar vidas compartidas en futuro.

Esto último me lleva a la disyuntiva que desencadenó este post: ¿Qué buscamos cuando nos enamoramos?: ¿la emoción del comienzo? ¿esa pasión acalorada quizá más asociada a edades más tempranas? ¿O esa estabilidad -en papel más aburrida- del amor adulto? ¿Se pueden dar las dos cosas al mismo tiempo?

¿No será más bien que le estamos pidiendo demasiado al amor? ¿Que estamos cometiendo un exceso en idealizarlo? ¿Por qué más bien no dejamos que el sentimiento vaya creciendo con el paso del tiempo? ¿Por qué no asumirlo con más madurez? ¿Acaso le quita la magia?

¿Qué buscamos cuando nos enamoramos?

¿Está mal el hecho de comenzar buscando algo? ¿Por qué no nos quitamos ciertos prejuicios y dejamos que nos guíe lo que sentimos? ¿Por qué lo pensamos tanto? ¿Por qué no salimos con esa persona que quizá no nos guste mucho o con la que pensamos que no pueda haber nada? ¿Por qué no?

¿Por qué es tan difícil enamorarse a los 30?

En ocasiones el amor supone cierto esfuerzo mientras que en otras simplemente se da, sin explicaciones, sin razón aparente. En todo caso somos nosotros los que tenemos que darle la bienvenida a ese mágico susto.

Y si no, bueno, allí siempre estará la soledad: la más fácil y cómoda de las opciones, pero también la más triste.

jueves, mayo 28, 2015

Wayne McGregor dares to reanimate dance

Wayne McGregor may just be the most interesting choreographer nowadays. Sure, you may have remarkable -and popular- dancemakers like Alexei Ratmansky and Christopher Wheeldon, but whenever I read an article or a review of one of his dances, I’m sure I will end up fascinated.

McGregor is an artist that has gained notoriety thanks to his curiosity and his willingness to collaborate with talented people from seemingly disparate fields like visual arts, avant-garde music, technology and science. His mind seems to be as restless as many of the dances he has come to create.

The British choreographer’s talent may have also come at a proper time. Dance in general, at least until a few years ago, seemed to be stalled. That excitement dancers used to bring in the sixties and the seventies seemed to be long gone. Dance historian Jennifer Homans was harshly criticized for ending Apollo’s Angels, her fundamental book on the history of ballet, with some sort of an obituary for the art form. And even when her opinion might seemed a little bit over-the-top for some people, she definitely had a point: dance needed a striking resuscitation.

McGregor’s audacity has set foot on the stage of prestigious companies like La Scala, Paris Opera, San Francisco Ballet, New York City Ballet and English National Ballet. He’s also the Artistic Director of his own ensemble, Wayne McGregor Random Dance, and the Resident Choreographer of The Royal Ballet, for which recently created Woolf’s works, a full-length production inspired by Virginia Woolf’s writings and with music written by Max Richter -a composer with whom McGregor has already worked with.

His other exciting recent project is entitled Tree of Codes, based on the book written by Jonathan Safran Foer scheduled to premiere at Manchester’s International Festival. The music is composed by Jamie xx, one of the members of The xx and who’s about to release his first album as a solo artist. The equally interesting visual artist Olafur Eliasson is also involved in the production taking care of a series of impressive light-based designs.

In a recent interview with the Guardian, McGregor confessed he feels obliged to break the limits of traditional choreography: “I think it’s the responsibly of major lyric theatres to challenge audiences, otherwise you’re just making work that suits the current taste, you’re not making it possible for the language to evolve.”

Everytime I hear from McGregor, I just sense some sort of an outstanding zeitgeitst, represented by his eagerness to be surrounded by people who has left their mark on these times. He has worked, just to cite a few names, with established, outstanding and cult musicians like Thom Yorke, Mark Ronson and Ben Frost.

On this regard, this is what he had to say in a recent Q&A he did with the Guardian: “I just think there are so many brilliant people out there. I love being inspired and in a room with them to see what we might be able to do together.”

And for now, there’s plenty of fascinating things he has been able to accomplish. The thing is, and I’m just speaking from my intuition, the road that McGregor has set out to take is just beginning. We’ll just wait, impatient and eagerly, to what he has yet to bring to the stage.